Un scénario est toujours le reflet d'une époque, d'un imaginaire collectif conscient et inconscient.
Titane est la naissance d'un mythe, du premier cyborg autogéneré, moitié organique moitié alliage de voiture. Puisque telle est la passion de l'héroïne (la morphique Agathe Rousselle) garçon manqué puis plus tard danseuse aguicheuse qui ne fait qu'un avec une voiture designée feu.
Une autre de ses passions est de tuer des personnes pour assouvir son appétit dévorant, signe d'une personnalité totalement borderline, écorchée vive.
Son père biologique quasi absent puis finalement abandonné par la belle, la mettra en
quête d'un pére de substitution, protecteur et sans jugement (Vincent Lindon bodybuildé sous steroïdes) qui saura préserver sa mue (de garçon déguisé en femme et de femme enceinte en nouveau-né).
Résumé ainsi le sujet détonne, encore plus à la vue du second film de Julia Ducourneau, Palme d'or 2021, qui hypnotise et marque durablement les esprits par certaines scènes (le plan séquence du Salon auto underground, les danses garçons/fille dans la caserne des pompiers ou encore la naissance du cyborg), lumières, musique, alternance de plans chocs ou drôles.
Culturellement parlant on est dans un cinéma fantastico-horrifique aux références plutôt américaines (Carpenter/Christine, Cronenberg/Crash, Cameron/alien...) Avec un personnage de roman cyberpunk plutôt dantecquien (Maurice G) ou sorti de l'univers d'une Virginie Despentes, un mix à nouveau comme la fin des genres stéréotypés pour faire advenir une humanité hybride nouvelle, transhumaniste, à la fois androgyne et unifiée. La réalisatrice ne renie pas le caractère religieux messianique de cette naissance quasi virginale (une transformation "huilée" jamais vue à l'écran) pour une humanité assoiffée de sensations fortes.
Même si dans ce monde apocalyptique et humainement  brutal à souhait, le féminin est bridé, sexualisé à outrance, exacerbé dans sa violence, caché ou dénigré, il irrigue le film presque à chaque plan, dans ses formes et sa matrice.
Reste à discerner le souffle qui inspire l’œuvre pour faire pencher la balance du côté du coup de génie ou d'une diabolique vision de l'époque...

“Nous proposons une autre vision de la société, en quête d'un projet constructif plutôt que destructif, d'une ouverture plutôt que d'une fermeture...si nous pouvons encore éveiller quelques consciences et encourager l'empathie et la cohésion de notre humanité fragmentée, ce sera notre pierre à l'édifice” (Entre la pierre et la plume – IAM).

Le collectif IAM (Akhenaton, Shurik'n, Kephren, Kheops, Imhotep et peut-être aussi Saïd ?) signe avec Baptiste Bouthier, journaliste socio-politique à libération, un livre témoignage “Entre la pierre et la plume” paru chez Stock éditions, sur leurs riches parcours dans le secteur culturel. L'ouvrage est émaillé de sentences puisées dans la discographie et de bulles focales sur chaque membre du crew phocéen. 

Pour qui suit leur carrière, les textes parlent d'eux-mêmes mais l'intérêt du livre c'est de développer la pensée (des chapitres entiers sur 9 thématiques dont le cinéma, le langage et l'argot, Marseille la ville ou encore la domination et le racisme...), expliciter le processus créatif (Le concept IAM, l'influence des membres sur les plans socio-culturels ou politico-spirituels) et replacer dans son contexte (Marseille, le statut des français issus de l'immigration, l'influence et le statut du rap) un groupe (et les techniciens qui gravitent autour) qui perdure depuis plus de trente ans.

Avec 9 albums concepts au compteur, des albums solos, des productions de talents marseillais (FF, L'Algérino, Psy4 de la rime,Veust Lyricist, Faf Larage, Bouga, chiens de paille...), des réalisations cinématographiques, le groupe n'a pas à rougir de son bilan auditif avec des salles toujours pleines, sans véritable campagnes de promotion et surtout l'aura respectueuse due à un pilier mythique de l'histoire du rap (français), droit dans ses bottes et ses choix artistiques.

Le groupe dévoile notamment sa formule secrète appliquée à chaque missive : des albums conceptuels basés sur six piliers : des titres politiques et engagés, introspectifs, historico-mystiques, à base d'humour, de storytelling ou d'égotrip.

Autre point crucial l'effort porté sur l'écriture : un “verbe ciselé et travaillé mais qui reste accessible”, érudit mais pas élitiste, complexe mais pas compliqué, technique mais pas ampoulé, à base de sentences (une phrase qui marque en profondeur) plutôt que de punchlines.

Mais sa véritable richesse reste son ciment collectif. IAM est le seul groupe soudé depuis ses débuts (à part le départ de Freeman, au nom prophétique ?), uni par ses passions communes (la civilisation égyptienne, le cinéma de genre, la culture asiatique ou l'amour du hip hop, donc de New York...), sa foi et sa fidélité à toutes épreuves. Le microcosme est en soi une démocratie qui valide chaque décision à la majorité absolue.

Éternels challengers au sein d'un mouvement originel qui ne cesse de se régénérer, les jeunes vétérans d'IAM acceptent volontiers l'esprit de compétition et remettent en jeu leurs lauriers à chaque nouvel album. Leur vécu leur donne avec l'âge un poids politique intéressant et important en particulier sur la culture dominante qui selon eux, méprise encore le rap, alors que sa diffusion est majoritaire en France. Un mépris à la fois de classe et ethnique, s’appuyant parfois sur un schéma raciste envers ceux dont “l'expression est populaire, le langage issu de l'oralité, affublés en plus d'un accent ou de termes argotiques”.

Deux mondes sociaux-politiques qui s'opposent à travers le monde, même si des ponts existent pour “dénoncer oppressions, racisme et injustices” dans les deux camps opposés. Cette voie du milieu est celle prônée par l'entité IAM depuis le début avec une richesse symbolique et lexicale qui invite à l'ouverture d'esprit plutôt qu'à l'individualisme et au repli sur soi, constaté ces dernières années.

Reste le futur à inventer puisque le mouvement hip hop s'écrit au présent. Lourd de son concept dont l'acronyme IAM est multiple : à la fois “j'existe”, “Imparial Asiatic Men”, “Invasion Arrivant de Mars”..., reste peut-être sa dimension mystico-spirituelle à investiguer, à savoir le fameux “Je Suis” divin, l'essence du nom ?

Le temps file et la sagesse accumulée (Égypte, Islam, Zen...) pourrait devenir pierre de taille, dans son intériorité, pour de prochaines thématiques métaphysiques, en venant parachever l'édifice...

Un livre de poids donc à mettre entre toutes les oreilles attentives, et de bonne volonté.

Des polémiques naissent autour de la série Netflix mais comment n'avoir pas encore envisagé le sujet à l'aune de notre monde presque agonisant ?

La série Messiah de Michael Petroni est non seulement pertinente mais aussi intelligente en nous brossant le portrait d'un individu profondément libre et déroutant.

Libre car il déjoue toutes les projections et perspectives le concernant. Il n'est l'idole ou l'otage d'aucune communauté ce qui en fait, pour les "croyants" un possible faux, un antichrist si l'on veut être synchrone avec les prophéties eschatologiques.

Déroutant enfin, cet individu, de par son histoire personnelle faite de faiblesses et d'échecs et sans grande envergure sur le plan social, presque inconnu au bataillon. En apparence paumé le téléspectateur constate qu'il obéit bien à un plan dont quelques personnages sont les rouages (Stefania Gwen ou encore Sayyid El Alami, acteurs de second plan à la psychologie fouillée).

L'acteur belge Mehdi Dehbi incarne à la perfection un personnage ambigu, profondément humain et savant en textes sacrés eschatologiques propres à chaque religion et avec un soupcon de surnaturel.

Les services secrets israélien et américain, le Shin Bet (Tomer Sisley) et la CIA (Michelle Monaghan) prônent systématiquement le parti du faux dans un monde désacralisé et sécuritaire à souhait où la moindre étincelle pourrait générer un feu d'envergure. Sur 10 épisodes l'investigation va être mise à rudes épreuves (disparitions, semi-miracle...) comme les croyants fondamentalistes de tous bords (télé-évangélistes, radicaux de l'Islam et du judaïsme) et le suspens sur l'identité religieuse, sociale et messianique de celui que l'on nomme Al Massiah ne semble se dévoiler qu'à la dernière minute...A voir et à méditer donc.

• Certains albums sont intemporels et ne souffrent pas d'une écoute intensive. C'est le cas d'Apaches, le nouvel album du montpelliérain Sameer Ahmad.
• Alpha Wann avec UMLA l'an dernier était franchement au-dessus du lot en amenant un projet frais et résolument hip hop au sein du rap français. Ahmad n'est pas à proprement parlé dans le "rap game" puisqu'il ne vit pas de sa musique mais il sait sortir à temps un travail passionnel abouti, lui qui est libre de l'image. La reconnaissance de ses pairs est actée, ne lui manque qu'un succès public mais peut-être n'est-il pas assez de ce monde pour parler à des masses tant son style est intimiste et presque initiatique.
• De grâce, celui qui se nommait Ahmadeus il y a 15 ans n'en est pas dépourvu mais l'effort est là aussi et finit par payer tant au niveau du fond (un album résolument musical avec des prods plutôt trap à tendance électro rappelant des rythmes tribaux et des riffs de guitares aussi...) que de la forme, cette écriture abrupte et ciselée mais concise, expressive souvent, revendicatrice parfois.
• Son verbe est très visuel, en hommage peut-être à Sergio Leone, son réalisateur favori. Beaucoup de références codes (skate, basket américain, culture), d'allégories. Un langage simple et complexe, voilé et apparent, parfois crypté. Des phrases courtes ou des mots mis bout à bout qui donnent sens, parfois sans verbe, des visions métaphoriques...un flow fluide comme le bruit de l'eau, ascensionnel comme il le faut pour mener à l'élévation d'âme.
• Un album concept donc comme on en fait plus avec un visuel fort et stylé signé Hector de la Vallée (dessinateur) et Lasse Russe (graphiste), des titres thématiques, une vision d'ensemble et une progression vers la lumière malgré le vécu d'un indien, perdant magnifique en son temps mais dont l'esprit demeure.
• Ceci est une invite chaleureuse à écouter le blues urbain d'Ahmad, pour le plaisir de la performance, parce qu'un esprit en feu témoigne, que la musique est belle et bonne et qu'il brille comme une étoile au firmament des fixes.

Crédit photo Hector de la Vallée et Lasse Russe

Border est un bon film fantastique. Le savoir permet de dépasser le possible effroi des premières images et de prendre une distance nécessaire avec la personnage principale (Eva Melander excellente) qui porte des prothèses.

Ceci étant dit cette dernière a un don presque animal : flairer en tant que douanière les passagers suspects. Cet instinct est renforcé au contact de la nature et des animaux sauvages et permet à l’intrigue policière de se développer (démanteler un réseau pédophile).

Le film prend une tournure étrange et surnaturelle quand elle fait la rencontre de Vore (Eero Milonoff) qui lui ressemble étrangement de visage… et vraisemblablement de nature.

Animalité, monstruosité, différence et étrangeté sont les thèmes principaux de ce second opus du cinéaste Irano-suédois Ali Abbasi co-écrit avec John Advid Linqvist (Il s'agit de l'adaptation de sa nouvelle Gräns) et Isabella Eklöff, qui donne un relief psychologique attachant et complexe aux personnages en apparence difformes.

L’idée de bêtes de l'apocalypse sachant percevoir la vérité des perversions humaines et qui constituent de fait un fléau divin est assez originale et rappelle le démon Hellboy , cornu et rouge comme la colère. La force de ce film réside dans son caractère plus réaliste et la frontière tenue qui transparait entre humain et monstre, avec une belle réflexion sur leur nature et identité respectives.

Prix un certain regard à Cannes et Européan film award des meilleurs effets visuels.

Credit photo : lemagduciné.fr

...Dans les profondeurs de la terre et de la nuit,

Dans l'épaisseur du sommeil et de l'oubli,

Nos racines puisent encore sous la mémoire et sous la mort

Je les croyais absentes et soudain je perçois

Nous sommes perchés sur des épaules des géants... (chanson "les géants")

Les œuvres réussies sont toujours le fruit d'un collectif uni autour d'une vision commune et les œuvres magiques sont nimbées d'amour.

Le canadien Lubomir Arsov avait déjà frappé fort l'an dernier en présentant "In Shadow" sur le net, inspiré de quelques archétypes jungiens à forte teneur symbolique. Le collectif Ciel Blanc nous propose à son tour ce projet artistique au titre éponyme. C'est made in France, artisanal, original, intelligent, complet et spirituel à souhait !

Le bel objet c'est un dvd (qui comprend le moyen métrage HEPHAISTOS le cœur du monde, deux documentaires explicatifs avec Catherine Marchand, thérapeute jungienne et 8 clips tirés du film) et un cd des 7 chansons rock qui collent parfaitement au film.

Tout cela est en ligne ici pour "inscrire notre travail dans l’économie du don" (avec paiement libre) ou sur commande, pour soi ou pour offrir à un esprit libre ou en passe de le devenir un jour.

Tout Enfant véritable vibrera à l'évocation de symboles universels (que l'on retrouve dans les contes ou les mythes) tout en apprenant l'histoire d'Hephaïstos, le dieu forgeron.

Plus qu'une quête initiatique, il s'agit ici de retrouver son visage originel, dissimulé sous le vernis sociétal ou culturel et respirer enfin, si l'on veut bien entendre cette voix(e) qui provient des profondeurs.

En prime un entretien avec le porteur du projet Étienne Appert.

...Franchis le gouffre vers l'inconnu

Oublie tout, deviens fou,

Goûte à la lumière de l'entrevue,

Passe le pont, cogne ton front sur l'infini,

ici ici ici... (chanson "le pont")

crédit photo : Le Gué Editions.

« America great again », non cette phrase n’est pas prononcée par Donald Trump mais par un membre du Ku Klux Klan des 70’s dans le nouveau film de Spike Lee. Ce petit détail, parmi d’autres, pointe le doigt vers l'actuel président des États-Unis. Tout en rappelant l’histoire et les dégâts causés par le Ku Klux Klan (appelé « l’organisation » par ses membres), le réalisateur dépeint également l’Amérique d’aujourd’hui toujours ravagée par un racisme ambiant où le KKK semble encore avoir de beaux jours devant lui. Il suffit de penser au rassemblement des suprémacistes blancs transformé en émeute contre des antiracistes qui causa la mort d’une jeune femme à Charlottesville en 2017. Et Donald Trump de renvoyer les deux camps dos à dos …

Dans Blackkkansman, un flic noir (le premier de la ville de Colorado Springs) décide d’infiltrer le KKK.  Pour cela il doit convaincre ses collègues et son patron, tout en subissant du racisme de la part de certains flics se croyant intouchables. Ces mêmes policiers violentent régulièrement les femmes et les hommes noirs pour s’amuser ! Quant aux membres du Klu Klu Klan, ils ne détestent pas seulement les noirs mais aussi les juifs, les homosexuels et les communistes. Ron Stallworth (John David Washington – oui le fils de Denzel !) et son collègue juif Flip Zimmerman (Adam Driver) risquent gros au contact de leurs « nouveaux amis » du KKK local. Ce scénario aussi drôle que glaçant pourrait rester une comédie acide si elle n’était pas inspirée d’une histoire vraie. En revoyant des scènes du film Naissance d’une Nation (1915), ouvertement raciste et en écoutant certains récits de noirs lynchés dans les années 1900, le rire laisse place à la nausée.

Spike Lee a beau ridiculiser, à juste titre, les membres du Ku Klux Klan, leur insondable bêtise demeure aussi dangereuse aujourd’hui qu’hier.  

On sort du film à la fois ébloui et terrifié. On se rassure en se disant que le KKK est vraiment très loin de chez nous. Et puis on se rappelle toutes les remarques insidieuses lancées par des gens se croyant « entre bons français », certains chroniqueurs diffusant des idées nauséabondes dans les médias et autres réseaux sociaux et surtout la montée des partis populistes dans toute l’Europe : comme un air de déjà vu sur le vieux continent. Évidemment si vous croisez un membre du KKK, il vous dira que tout cela n’a jamais existé …