Ayant forgé son style dans un cinéma d'exploitation où tout est permis, où le corps est un terrain de jeu pour les excès, il injecte de la crasse, de l'humour noir, du grotesque et une énergie punk dans des produits destinés à être lisses et universels. Son cinéma (...) issu de la marge et adoubé par Hollywood, est une remise en question permanente de l'asepsie du divertissement de masse  (p.77).

 
Nico Prat signe avec La perversion selon Sam Raimi, chez Playlist society, un essai probant et pointu sur l'ADN du cinéaste geek, fou de technique et d'idées géniales, le père du classique Evil Dead et de son acteur fétiche Bruce Campbell.
Alternant films artisanaux plus personnels (Evil dead, jusqu'en enfer, Darkman...) et commandes de studios hollywoodiens (la trilogie spiderman avec Tobey Maguire, le monde fantastique d'Oz...), il avance serein malgré les critiques médiatiques ou mainmise des producteurs sur certaines de ses œuvres. Son plaisir c'est d'explorer les failles de ses personnages (les zones d'ombre comme la culpabilité, la perte ou le double maléfique) ou d'ouvrir des brèches "slapstick" (style d'humour impliquant une part de violence physique volontairement exagérée) dans un linéaire conventionnel. Cette forme de perversion est inédite au cinéma mais heureusement tolérée. Comme Guillermo Del Toro, il est fasciné par les monstres, les freaks, les créatures infernales et s'en amuse, leur trouvant sans doute du piquant pour relever un scénario morne. Les plus belles œuvres ne sont-elles pas la création de déviants talentueux ?
L'humanité transparaît du coup souvent par des détails (une mimique, une parole, une blague...) injectés dans la pellicule pour rappeler peut-être que ce n'est que du cinéma et que l'intention derrière est avant tout ludique et irrévérencieuse.
Nico Prat est fan et spécialiste de l'œuvre de Sam Raimi. Sa fidélité et son appétit de compréhension (nombreuses sources consultées) ont conféré une trame à cet essai, à laquelle nous ne pouvons qu'adhérer.
En ressort une curiosité renouvelée pour visionner des parts manquantes de sa filmographie. Cette "perversion" assumée, loin de le disqualifier aux yeux de ses pairs, confère plutôt à son œuvre un charme majeur, sans cesse renouvelé.  

"Avant le Wild Brunch, d'autres musiciens ont ébauché les lignes de cette musique sous influence dub : on se disait que ce ne se serait pas punk de faire quelque chose qui avait déjà eu lieu depuis trois mois. Si tu contestes la politique ou la société , il faut défier le concept même de la musique, alors on a mis du free jazz, du funk, de la musique concrète et beaucoup de noise expérimentale (Mark Stewart de The Pop Group)".

Florine Delcourt, rédac chef de ground control, émission musicale d'Arte, nous livre avec Tricky, antistar superstar paru chez Playlist Society, un essai concis, précis et léché de l'artiste anglo-jamaïcain de Bristol.
Véritable bête de scène, issu de la rue et du monde de la nuit, Tricky perça au chant et à la production sur le premier album de Massive Attack (les 3 membres sont issus de Bristol, berceau de légendes comme Banksy ou Portishead), avant de tracer sa route intègre, loin du star system et des albums clones.
Artiste universel et créateur à l'écriture inspirée, il compose avec des samples de boucles (un mélange de funk, hip hop, soul, punk, rythmes afro caribéen, reggae) où la basse prédomine avant d'y ajouter synthés et voix à majorité féminines, ses muses.
Artisan indépendant s'adaptant aux changements de l'industrie musicale, il créera son propre label, False Idol, bravant les modes et les étiquettes (trip hop au début) pour explorer les zones d'ombres intérieures et mondaines, se livrant toujours sur disque et sur scène, dans une vraie sincérité émotionnelle.
Frappé par les épreuves tôt (abandon de son père enfant, suicide de sa mère à 4 ans, perte de sa fille Mina Mazy âgée de 24 ans), il reste un être à vif, sensible, rescapé de ses addictions et d'un mode de vie sur le fil, fuyant la célébrité mais conscient de son identité marquée.
Légende urbaine, proche du milieu hip hop, il aime mettre d'autres talents en avant et arranger à sa sauce des covers d'artistes de sa playlist.
En complément, un concert d'Arte récent le capte aux cotés de sa dernière chanteuse Marta Zlakowska dont il produit l'album When It's going wrong.
Parolier de l'ombre, simple back parfois,  il sait aussi se faire explosif (l'excellent here my dear) en se livrant corps et âme, l'œuvre de tout grand artiste.
Florine Delcourt nous restitue (pour la première fois en français) l'être a nu, fruit d'un travail journalistique de quatre années, ponctuées de voyages (dont 4 mois d'immersion a Bristol), d'entretiens et d'une rencontre avec l'artiste, restituant le contexte historique et socio-culturel qui l'a vu émerger, en le suivant pas à pas dans son cheminement entre chaos et harmonie.
Accessible mais facétieux (tricky signifie délicat, rusé), l'homme se dessine par bribes jusqu'à apparaître en toute simplicité, travaillé par ses propres démons, avec la musique comme rédemption. 

"Si Max se laisse aller à la violence, c'est qu'il est devenu fou (mad), comme il le redoutait. Son basculement dans la folie est d'abord celui de la société toute entière : le monde en train de sombrer emporte Max avec lui". (p.51)

Désert, bolides, guerre au nom de l'essence...le décor futuriste de la saga culte est crédible et décliné en 4 épisodes sur 40 ans. L'univers et la vision post-apocalyptique de Georges Miller persiste au sein des films de genre SF, révélant Mel Gibson en 1979 dans le rôle de Mad Max, guerrier de la route ayant perdu sa femme et son enfant, errant au volant de son V8 dans un monde où des hordes de punks SM font régner la loi du plus fort.
Des films coups de poings, viscéraux, en mouvement, violents et radicaux qui inspireront bon nombre de héros vengeurs solitaires (equalizer, à vif,...) . Qui n'a jamais été gagné de telles émotions irrationnelles dans sa voiture ? La folie parcourt les routes. Ce qui nous sépare de l'anarchie et de l'état nature c'est un accord sociétal, une vie en commun, et parfois un cocon familial où l'amour règne.
Cet anti-héros, Max Rockatansky a connu les deux antan, ce qui lui permet peut être de garder un semblant d'humanité et des valeurs qui contaminent dans son giron femmes ou enfants rencontrés ici ou là.
Dans Mad Max, au-delà de la radicalité, 6 auteurs collaborateurs de Playlist Society (Lloyd Chéry, Manouk Borzakian, Alexandre Mathis, Élise Lépine, Erwan Desbois, Nico Prat) dissèquent l’œuvre avec brio (à l'origine des podcasts de chaque film), sourçant leurs hypothèses agrémentées de nombreuses anecdotes (metteur en scène, production, acteurs,...). Les points de vues se complètent et enrichissent l'analyse dystopique puisque les épisodes sont quasi chronologiques et similaires.
Georges Miller, taxé de visionnaire lors de la sortie de Fury Road (2015), a réalisé intégralement les 4 opus ce qui en fait son œuvre la plus personnelle et obsessionnelle. L'évolution se situe surtout dans la toile de fond qui calque les préoccupations environnementales, sociétales et sociales de l'époque, notamment le rôle de plus en plus clé et prégnant  de la femme (Furiosa jouée par Charlize Theron dont le prochain opus s'intéressera a sa jeunesse) pour un éventuel changement de paradigme, car l'homme tue de façon innée.
Petit livre plaisant donc qui permet de s'immerger à nouveau dans la psyché hallucinée et sauvage de Georges Miller. L'homme semble avare de renseignements mais comme tout artiste passionné il porte en lui visuellement ce punk-road-opéra et sut séduire la profession pour lui faire une place de choix...dans notre imaginaire aussi !

"Cette appréhension d'un autre susceptible de nous corrompre (par contamination), au point d'entraîner la mort, caractérise les régimes de guerre, les régimes totalitaires, les régimes d'extermination. Cette perception let régulièrement les démocraties à rude épreuve. pour se protéger, il faut diminuer le nombre de contacts. tout rapport à autrui est modifié. On construit des murs, des forteresses, des barbelés en tous genres". (p.95)

Il est difficile d'envisager sa fin autrement qu'avec une forme de survie.

Dans "Apocalypse show, quand l'Amérique s'effondre" (chez Playlist society), qui est un condensé d'une thèse sur le sujet de la fin du temps dans les séries américaines, Anne-Lise Melquiond analyse la psyché du Nouveau monde comme celle d'un éternel recommencement, entre reproduction du système capitaliste déjà existant ou glissement de ce dernier vers un ordre plus extrémiste et rigoureux.
Cinq séries principales reviennent plus fréquemment dans l'essai, the walking dead, the leftovers, Falling skies, Jéricho et Watchmen, afin de balayer et souligner l'éventail des fins possibles (zombies, disparitions, attaque extra-terrestre, guerre nucléaire...) mais avec à chaque fois des leitmotivs ou marottes : la survie dans un monde devenu hostile où des règles qui ont fait leurs preuves à travers l'histoire s'appliquent pour faire société.
L' Amérique préfère en conclusion envisager la fin d'un monde plutôt que la fin d'un système défaillant (face à l'urgence climatique par exemple), comme une lecture en surface du texte de l'apocalypse de Jean où ne seraient retenus que les cataclysmes, fléaux, amputations ; sans voir plus loin le sens étymologique du dévoilement d'un Plan divin lumineux pour l'humanité consciente des enjeux liés à la planète.
Oeuvre salutaire que ce livre qui nous montre à quel point notre inconscient est imprégné de la culture cinématographique catastrophiste et morbido-angoissante  de nos frères en humanité qui, si nous n'y prenons pas conscience, risque de jouer sur nous européens, comme des peurs archaïques. La France, très observée, semble évoluer vers d'autres alternatives finales, plus humaines et solidaires entre personnes éclairées de bonne volonté. C'est le parti de l'autrice dont certains passages, avec l'épisode covid, son état d'urgence et ses lois liberticides, résonnent avec une acuité presque prophétique...un autre monde est possible !

"Dans la tragédie de l'apocalypse, des décisions brutales, parfois iniques, un chantage à l'injustice ou des menaces de mort sont toujours justifiés par l'enjeu de la survie. Finalement, ces récits d'effondrement manque t d'imagination, dans leur capacité à présenter de nouveaux mondes possibles : on nous propose soit la restauration des institutions, soit la dérive autoritaire". (p.146)

Série singulière et originale, The Leftovers nous prend parfois plus par l'émotion que par la raison. Cette dernière semble comme court-circuitée devant l'absurde ou l'etrangeté de situations et les personnages eux-mêmes ne comprennent pas toujours le monde désenchanté et mystérieux dans lequel ils évoluent...

Le livre de Sarah Hatchuel et Pacôme Thiellement sur The Leftovers (le troisième côté du miroir paru chez Playlist Society) présente quelques pistes de réflexion et clés d'interprétation de la série HBO qui comprend trois saisons (2014-2017) , tout en nous explicitant quelques symboles ou références.

On y parle en effet aussi beaucoup d'une autre série, Lost, dont Damon Lindelof fût aussi le "showrunner" (sorte d'auteur-producteur, de responsable du suivi quotidien de la série, de sa cohérence), qui dura elle 6 ans et frustra nombreux téléspectateurs, restant sans véritables réponses aux énigmes à la fin.

Dans la continuité et la disruption, The Leftovers met clairement en scène "la fin de l'humanité mais surtout le déni des êtres humains devant l'extinction du vivant, dont ils sont eux-mêmes responsables", soit une ère anthropocène.

On se trouve face à une œuvre de créateur, inspirée d'un roman de Tom Perrotta, qui questionne également, selon les auteurs, l'offre télévisuelle et sa capacité à guider ou donner des clés pour s'orienter dans des périodes délicates de la vie (le biocide, le deuil, une période anxiogène...).

Concrètement le 14 Octobre 2011, 2% de la population humaine disparaît. Seule une ville est épargnée, Jarden (dans laquelle se situera la seconde saison) et l'on suit la réadaptation de quelques personnages dont le destin est scellé, dans une Amérique groggy cherchant un sens à cette vie de rescapés.

Le leitmotiv au piano comme le scénario original ne sont pas franchement gais mais les auteurs de la série ont choisi le réalisme et s'adressent aux adultes que nous sommes et à qui on demande de cesser de s'illusionner sur le monde, une sorte de responsabilisation et de conscience en éveil à acquérir. La série pose aussi un questionnement sur le mode d'emploi apparent de la vie qui vole en éclat lors d'un accident imprévisible. Dès lors à quoi se raccrocher si ce n'est à l'essentiel, qui constitue le fondement même de l'humanité : la relation et les gestes du quotidien.

Les conclusions des deux auteurs se rejoignent sur ce fond après nous avoir emmené dans un formidable voyage et jeu de pistes philosophiques, religieuses et culturelles. Pour Pacôme Thiellement, d'appétence gnostique, les œuvres de la pop culture (des Beatles à Twin peaks) sèment autant de signes de l'existence d'une divinité intérieure à retrouver, ici et maintenant, pour illuminer sa vie.

Pour Sarah Hatchuel, malgré les signes apocalyptiques, nous ne devons pas nous appesantir ou nous morfondre mais prendre sa vie en main et sauver le monde à notre niveau, accompagné en cela de jalons culturels.

The leftovers, le troisième côté du miroir, est une réflexion à deux voix, prolifique et à bride abattue, sur cette série auréolée de grâce où plutôt sur l'esprit truculent et énigmatique de son showrunner Damon Lindelof.