Coup de Choeur BD

L'artiste peut avancer vers un Art universel quand il atteint une dimension qui parle à toute l'humanité. C'est la valeur la plus noble, on peut cultiver la sensation de tendre vers cela, vers Soi.

Voilà une belle histoire qui nous vient du fond des âges, du tréfonds d'une mémoire nourrie par une source universelle.

Rivière d'encre d’Étienne Appert, publié chez la Boîte à Bulles, c'est au départ le souhait d'essayer de répondre à une question enfantine: pourquoi l'on dessine. La réponse est un voyage à travers le temps et le mythe, à la rencontre plausible du premier trait griffoné pour laisser une trace, un souvenir indélébile, une ombre.

Tout de suite un parallèle s'impose pour cette réflexion philosophico-spirituelle sur le trait : la source c'est le dessin qui a l'âge de l'humanité et la mémoire c'est celle de l'auteur qui peut-être poursuit son rêve d'enfant, d'être un dessinateur reconnu (par ses pairs, la critique et surtout le public), après avoir exercé une autre activité professionnelle en entreprise pendant quelques années.

Ainsi la boucle est bouclée et l'art devient thérapie puisqu'en ravivant et remplaçant les méandres du passé dans une histoire plus universelle, elle apaise et nourrit l'histoire personnelle et transgénérationnelle.

L'enfant qu'il fût dessina par intuition (la part d'inné en soi) le premier, un reflet numineux de ce qui allait devenir plus tard, la trame de cet album : l'histoire mythique et poétique de Saminia et de Saurias.

Pour l'auteur Étienne Appert, le dessin est de l'écriture augmentée et l'on perçoit ici mieux sa puissance évocatrice avec les autres archétypes qui parsèment l'ouvrage. Évoquons notamment la rivière d'encre, le miroir des projections, le visage sans forme, la brèche dans les murs de la prison ou encore la sphère lumineuse recouverte d'images en périphéries (le Soi)...

Autre point important Etienne Appert (un des membres du collectif Ciel Blanc, auteur et coordinateur du projet CD/DVD "Hépaïstos, le coeur du monde") prend la route des grands créateurs du 9ème art (François Boucq et Edmond Baudouin lui font d'ailleurs un clin d'oeil graphique) intégrant l'autobio-graphie dans un concept plus vaste et symbolique à souhait, une forme de cheminement initiatique dans laquelle chacun peut se projeter et se retrouver. Ce voyage intérieur rappelle (toute proportion gardée) celui d'un pionnier de la psychologie analytique, Carl Gustav Jung, qui développa la technique de l'imagination active proche d'une rêverie consciente et s'en servi pour rédiger le fabuleux livre rouge. On imagine aisément que la psyché d'un dessinateur né convertisse les pensées en images sur l'écran de son imaginaire, sans doute pour mieux intégrer son ombre, concept cher au psychanalyste zurichois.

L'auteur s'est trouvé (9 ans, une naissance, pour la réalisation de l’œuvre) personnellement avant d'accoucher de cette œuvre authentique et sincère, comme la liberté du trait qui s'est imposée à lui après avoir évité les écueils d'une œuvre trop auto-centrée. Il a fait sienne et a intégré dans une forme de maturation, cette réflexion intériorisée de F. Boucq sur le sens du trait originel : "libre à celui qui pratique le dessin de se réaffilier au chemin vers le centre de la roue de la vie".

Étienne Appert a puisé à la source du mythe, du conte traditionnel ou de l'expérience chamanique pour mettre son histoire personnelle (celle de son arrière grand-père notamment) en perspective et renaître avec un regard neuf sur son art : "tout portrait est un autoportrait car tous les êtres humains sont en moi et en chacun...". Un futur classique du 9ème art.

Dans "Histoire de celui qui dépensa tout et ne perdit rien" paru aux éditions du

Cerf, Jacqueline Kelen s'empare de la parabole du fils prodigue et la réécrit en se mettant dans le corps et l'âme des différents protagonistes. Le fils, le frère et le père s'entend, mais aussi la mère, un vieux serviteur et plus surprenant l'ange gardien et l'ange scribe.

Nourris de lectures et de recommandations bibliques, les personnages s'expriment à la manière des psaumes, du cantique des cantiques ou encore de l’ecclésiaste, citant prophètes ou événements marquants de la Bible, ce qui donne à l'ensemble un ton enjoué, précieux et poétique et à l'écriture de J. Kelen une fluidité et un rythme proche du verbe.

Les prolongements et arguments de chacun ne choquent pas et font basculer la parabole dans une fable initiatique où tout le monde est gagnant. Après avoir choisi une vie mondaine, celle de l'homme extérieur (le vieil homme au sens évangélique), "là-bas, dans la ville bruyante, où l'on se laisse tenter, on s'amuse, on se leurre et où un jour l'âme se retrouve sur la paille", le fils cadet subit un renversement, une métanoïa et se souvient de sa lignée céleste alors qu'il patauge dans la boue avec les cochons. En se remémorant l'amour de son père, "lui reste l'essentiel, l'invisible alliance, sa parole donnée, la liberté qu'il lui a accordée...il a certes tout dépensé mais il n'a rien perdu...".

En chemin l'amour, la mort, le choc des émotions, un vécu de géant, une amplitude d'expériences ont contribué à forger une âme immortelle et un cœur enjoué à l'idée d'être re-devenu fils mais au sens de l'homme intérieur, l'homme nouvellement né.

Cette interprétation dépoussière un texte resté trop longtemps moralisateur ou culpabilisant et sonne juste comme souvent dans l'intuition de Jacqueline Kelen, que nous avions longuement interviewé en 2018 sur son parcours, à Paris.

Angélique Clairand et Eric Massé, les deux nouveaux co-directeurs du théâtre du Point du Jour de Lyon ont des origines rurales communes. De l'Eve à l'eau vient sublimer cette notion d'identités multiples parfois honteuses, dans une autofiction fluide et haute en couleurs et accents, au contexte campagnard affirmé.

Très documentée, cette histoire d'amour nous montre la complexité et la richesse de nos campagnes, une vraie histoire théâtrale !

Entretien avec les deux créateurs de cette pièce retravaillée pour l'occasion (14 min 30).

Crédit Photo : théâtre du Point du Jour

Série singulière et originale, The Leftovers nous prend parfois plus par l'émotion que par la raison. Cette dernière semble comme court-circuitée devant l'absurde ou l'etrangeté de situations et les personnages eux-mêmes ne comprennent pas toujours le monde désenchanté et mystérieux dans lequel ils évoluent...

Le livre de Sarah Hatchuel et Pacôme Thiellement sur The Leftovers (le troisième côté du miroir paru chez Playlist Society) présente quelques pistes de réflexion et clés d'interprétation de la série HBO qui comprend trois saisons (2014-2017) , tout en nous explicitant quelques symboles ou références.

On y parle en effet aussi beaucoup d'une autre série, Lost, dont Damon Lindelof fût aussi le "showrunner" (sorte d'auteur-producteur, de responsable du suivi quotidien de la série, de sa cohérence), qui dura elle 6 ans et frustra nombreux téléspectateurs, restant sans véritables réponses aux énigmes à la fin.

Dans la continuité et la disruption, The Leftovers met clairement en scène "la fin de l'humanité mais surtout le déni des êtres humains devant l'extinction du vivant, dont ils sont eux-mêmes responsables", soit une ère anthropocène.

On se trouve face à une œuvre de créateur, inspirée d'un roman de Tom Perrotta, qui questionne également, selon les auteurs, l'offre télévisuelle et sa capacité à guider ou donner des clés pour s'orienter dans des périodes délicates de la vie (le biocide, le deuil, une période anxiogène...).

Concrètement le 14 Octobre 2011, 2% de la population humaine disparaît. Seule une ville est épargnée, Jarden (dans laquelle se situera la seconde saison) et l'on suit la réadaptation de quelques personnages dont le destin est scellé, dans une Amérique groggy cherchant un sens à cette vie de rescapés.

Le leitmotiv au piano comme le scénario original ne sont pas franchement gais mais les auteurs de la série ont choisi le réalisme et s'adressent aux adultes que nous sommes et à qui on demande de cesser de s'illusionner sur le monde, une sorte de responsabilisation et de conscience en éveil à acquérir. La série pose aussi un questionnement sur le mode d'emploi apparent de la vie qui vole en éclat lors d'un accident imprévisible. Dès lors à quoi se raccrocher si ce n'est à l'essentiel, qui constitue le fondement même de l'humanité : la relation et les gestes du quotidien.

Les conclusions des deux auteurs se rejoignent sur ce fond après nous avoir emmené dans un formidable voyage et jeu de pistes philosophiques, religieuses et culturelles. Pour Pacôme Thiellement, d'appétence gnostique, les œuvres de la pop culture (des Beatles à Twin peaks) sèment autant de signes de l'existence d'une divinité intérieure à retrouver, ici et maintenant, pour illuminer sa vie.

Pour Sarah Hatchuel, malgré les signes apocalyptiques, nous ne devons pas nous appesantir ou nous morfondre mais prendre sa vie en main et sauver le monde à notre niveau, accompagné en cela de jalons culturels.

The leftovers, le troisième côté du miroir, est une réflexion à deux voix, prolifique et à bride abattue, sur cette série auréolée de grâce où plutôt sur l'esprit truculent et énigmatique de son showrunner Damon Lindelof.

Up above my head est une création originale du festival Jazz à Vienne. Initié il y a trois ans entre Raphaël Lemonnier et Benjamin Tanguy, directeur artistique du festival, ce projet ouvre les festivités de la 39ème édition sous de beaux et bons auspices. Retransmis en direct à FIP radio (un disque sera peut-être édité ?), le spectacle était surtout sur scène avec la virtuosité des six protagonistes mais aussi par la mise en espace ingénieuse et évocatrice de Robyn Orlin.

Lorsque Raphaël Lemonnier découvre, comme présent à 11 ans, ces chants de prisonniers, il est "touché et ressent beaucoup d'émotion. C'était des gars qui chantaient pour leur survie" explique t-il. Comment retranscrire des chants de prisonniers (les "Negro prison songs and blues" collectés par l’ethnomusicologue Alan Lomax au sein des comtés ruraux et les pénitenciers du Sud des États-Unis), des chants de luttes, des gospels ou encore des "black convict songs", sans que la lourdeur ne vienne entacher la proposition artistique ?

Raphaël Lemonnier (piano et arrangements) a su s'entourer d'une fine équipe motivée par l'enjeu et notamment deux chanteuses reconnues et complémentaires, l'hypnotique Camille et la charismatique Sandra Nkaké. Les musiciens amis Pierre-François Dufour (batterie et violoncelle), Christophe Minck (Ngoni et contrebasse) et le jovial, mais aussi chercheur en musique sacrée, Raphaël Imbert (saxophone) sont venus se greffer et grossir ce collectif, supervisé et co-arrangé par Clément Ducol, le compagnon de Camille qui se fait subrepticement lui aussi un nom (collaborations avec Nolwenn Leroy, Camille, Christophe ou encore Melody Gardot et Youn Sun Nah).

Puissant et organique, exalté et doux : l'osmose entre les chanteuses et musiciens qui deviennent parfois chanteurs et musiciennes nous entraine dans un univers envoutant. C' est un spectacle habité, incarné, et les scènes d'unité (tous ensemble autour d'une table, du piano,...) alternent avec des moments plus intimistes dans lesquels chaque acteur est mis en avant pour performer au plus juste au service de la cause. Les instrumentistes donnent de la chair à ces chants nus avec des arrangements résolument modernes (le saxophone, le violoncelle) et une partition tantôt brute tantôt enjouée voire céleste.

Le martellement des bâtons sur le sol vient rappeler les enregistrements originaux (sans musique) et devient vite une allégorie de la douleur et de la dure condition d'esclave, de prisonnier ou de peuple méprisé. Comme tout symbole il devient duel par moments et vient souligner la force et la dignité, la joie même parfois de ces chants emplis de foi ou d'espoir malgré l'adversité. Ce rythme entêtant, tout au long du concert, résonne longtemps comme un grondement auquel on ne peut échapper.

Beaucoup de jeu également sur scène pour alléger le propos et la gravité de certaines chansons, une alternance de pesanteur et de grâce. Les deux artistes chantent de concert ou seules, parfois rejointes en chœur par les quatre musiciens. Elles sont tantôt légères, tantôt graves en fonction de la circonstance mais toujours droites et dignes. C'est dans leurs réserves, qu'elles iront puiser pour nous faire entendre ces chansons d'un temps pas si lointain. Temps de luttes, de résistance et de courage pour affronter l'injustice, le désespoir ou l'absurdité de la vie. Moments suspendus dans le théâtre de Vienne où les voix n'étaient pas six mais des centaines, dans un jeu de lumière incandescent ou tamisé, à clamer et chercher la Présence malgré l'absence d'eau, de nourriture, d'êtres chers ou même de droits fondamentaux.

En conférence de presse, Sandra Nkaké se questionnait sur "comment collectivement avoir envie de créer une société plus juste ? ". "La musique, c'est le lien et le lien de compassion entre les humains" ajoutait Camille. Hier soir, le lien s'est créé avec le public de Vienne, attentif et impressionné par cette création du festival qui mériterait de tourner et de se déployer pour que ces voix résonnent à nouveau.

@visuelB.Flao

...Dans les profondeurs de la terre et de la nuit,

Dans l'épaisseur du sommeil et de l'oubli,

Nos racines puisent encore sous la mémoire et sous la mort

Je les croyais absentes et soudain je perçois

Nous sommes perchés sur des épaules des géants... (chanson "les géants")

Les œuvres réussies sont toujours le fruit d'un collectif uni autour d'une vision commune et les œuvres magiques sont nimbées d'amour.

Le canadien Lubomir Arsov avait déjà frappé fort l'an dernier en présentant "In Shadow" sur le net, inspiré de quelques archétypes jungiens à forte teneur symbolique. Le collectif Ciel Blanc nous propose à son tour ce projet artistique au titre éponyme. C'est made in France, artisanal, original, intelligent, complet et spirituel à souhait !

Le bel objet c'est un dvd (qui comprend le moyen métrage HEPHAISTOS le cœur du monde, deux documentaires explicatifs avec Catherine Marchand, thérapeute jungienne et 8 clips tirés du film) et un cd des 7 chansons rock qui collent parfaitement au film.

Tout cela est en ligne ici pour "inscrire notre travail dans l’économie du don" (avec paiement libre) ou sur commande, pour soi ou pour offrir à un esprit libre ou en passe de le devenir un jour.

Tout Enfant véritable vibrera à l'évocation de symboles universels (que l'on retrouve dans les contes ou les mythes) tout en apprenant l'histoire d'Hephaïstos, le dieu forgeron.

Plus qu'une quête initiatique, il s'agit ici de retrouver son visage originel, dissimulé sous le vernis sociétal ou culturel et respirer enfin, si l'on veut bien entendre cette voix(e) qui provient des profondeurs.

En prime un entretien avec le porteur du projet Étienne Appert.

...Franchis le gouffre vers l'inconnu

Oublie tout, deviens fou,

Goûte à la lumière de l'entrevue,

Passe le pont, cogne ton front sur l'infini,

ici ici ici... (chanson "le pont")

crédit photo : Le Gué Editions.